Influencias [ editar ]
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Art Deco no era un estilo único, sino una colección de estilos diferentes y a veces contradictorios. En arquitectura, Art Deco fue el sucesor y la reacción contra el Art Nouveau, un estilo que floreció en Europa entre 1895 y 1900, y que también reemplazó gradualmente a las bellas artes y el neoclásico que predominaban en la arquitectura europea y estadounidense. En 1905, Eugène Grasset escribió y publicó Méthode de Composition Ornementale, Éléments Rectilignes, [49] en el que exploró sistemáticamente los aspectos decorativos (ornamentales) de elementos geométricos, formas, motivos y sus variaciones, en contraste con (y como un alejamiento de) El ondulante estilo Art Nouveau de Héctor Guimard, tan popular en París unos años antes. Grasset hizo hincapié en el principio de que varias formas geométricas simples como triángulos y cuadrados son la base de todos los arreglos compositivos. Los edificios de hormigón armado de Auguste Perret y Henri Sauvage, y particularmente el Theater des Champs-Elysees , ofrecieron una nueva forma de construcción y decoración que fue copiada en todo el mundo. [50]
En decoración, muchos estilos diferentes fueron prestados y utilizados por Art Deco. Incluyeron arte premoderno de todo el mundo y observable en el Museo del Louvre , el Museo de l'Homme y el Museo Nacional de las Artes de África y de Oceanía . También hubo un interés popular en la arqueología debido a las excavaciones en Pompeya , Troya y la tumba de la dinastía XVIII Faraón Tutankamón . Artistas y diseñadores integraron motivos del antiguo Egipto , Mesopotamia , Grecia , Roma , Asia, Mesoamérica y Oceanía con Machine Ageelementos. [51] [52] [53] [54] [55] [56]
Otros estilos prestados incluyen el constructivismo ruso y el futurismo italiano , así como el orfismo, el funcionalismo y el modernismo en general. [28] [57] [51] [58] Art Deco también utilizó los colores y diseños contradictorios del fauvismo, especialmente en el trabajo de Henri Matisse y André Derain , inspiró los diseños de textiles art deco, papel tapiz y cerámica pintada. [28] Tomó ideas del vocabulario de alta costura de la época, que presentaba diseños geométricos, galones, zigzags y ramos de flores estilizados. Fue influenciado por descubrimientos en egiptología, y un creciente interés en Oriente y en el arte africano. A partir de 1925, a menudo se inspiró en la pasión por las nuevas máquinas, como aeronaves, automóviles y transatlánticos, y en 1930 esta influencia dio como resultado el estilo llamado Streamline Moderne . [59]
Estilo de lujo y modernidad [ editar ]
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Art Deco se asoció con el lujo y la modernidad; combinaba materiales muy caros y una artesanía exquisita en formas modernistas. No había nada barato en Art Deco: los muebles incluían incrustaciones de marfil y plata, y las piezas de joyería Art Deco combinaban diamantes con platino, jade y otros materiales preciosos. El estilo se utilizó para decorar los salones de primera clase de transatlánticos, trenes de lujo y rascacielos. Fue utilizado en todo el mundo para decorar los grandes palacios de cine de finales de los años veinte y treinta. Más tarde, después de la Gran Depresión , el estilo cambió y se volvió más sobrio.
Un buen ejemplo del estilo de lujo del Art Deco es el tocador de la diseñadora de modas Jeanne Lanvin , diseñado por Armand-Albert Rateau (1882-1938) realizado entre 1922-1925. Estaba ubicado en su casa en 16 rue Barbet de Jouy, en París, que fue demolida en 1965. La sala fue reconstruida en el Museo de Artes Decorativas de París. Las paredes están cubiertas de lambris moldeados debajo de bajorrelieves esculpidos en estuco. El nicho está enmarcado con columnas de mármol con bases y un zócalo de madera esculpida. El piso es de mármol blanco y negro, y en los gabinetes se exhiben objetos decorativos sobre un fondo de seda azul. Su cuarto de baño tenía una bañera y un lavabo de mármol siena, con una pared de estucos tallados y accesorios de bronce. [60]
Para 1928, el estilo se había vuelto más cómodo, con profundas butacas de cuero. El estudio diseñado por la firma parisina de Alavoine para un empresario estadounidense en 1928-1930, ahora en el Museo de Brooklyn .
En la década de 1930, el estilo se había simplificado un poco, pero aún era extravagante. En 1932, el decorador Paul Ruoud hizo el Salón de cristal para Suzanne Talbot. Presentaba un sillón serpentino y dos sillones tubulares de Eileen Gray, un piso de losas de vidrio plateado mate, un panel de patrones abstractos en laca plateada y negra, y una variedad de pieles de animales. [61]
Exposición internacional de artes decorativas e industriales modernas (1925) [ editar ]
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El evento que marcó el cenit del estilo y le dio su nombre fue la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas que tuvo lugar en París de abril a octubre de 1925. Esto fue patrocinado oficialmente por el gobierno francés y cubrió un sitio en París de 55 acres, que va desde el Grand Palais en la orilla derecha hasta Les Invalides en la orilla izquierda, y a lo largo de las orillas del Sena. El Grand Palais, el salón más grande de la ciudad, estaba lleno de exhibiciones de artes decorativas de los países participantes. Hubo 15,000 expositores de veinte países diferentes, incluyendo Inglaterra, Italia, España, Polonia, Checoslovaquia, Bélgica, Japón y la nueva Unión Soviética., aunque Alemania no fue invitada debido a las tensiones después de la guerra y Estados Unidos, que no entendió el propósito de la exhibición, se negó a participar. Fue visitado por dieciséis millones de personas durante sus siete meses de funcionamiento. Las reglas de la exposición requerían que todo trabajo fuera moderno; No se permitieron estilos históricos. El objetivo principal de la exposición era promover a los fabricantes franceses de muebles de lujo, porcelana, vidrio, trabajos en metal, textiles y otros productos decorativos. Para promover aún más los productos, todos los grandes almacenes de París y los principales diseñadores tenían sus propios pabellones. La Exposición tenía un propósito secundario en la promoción de productos de colonias francesas en África y Asia, incluyendo marfil y maderas exóticas.
El Hôtel du Collectionneur fue una atracción popular en la Exposición; exhibió los nuevos diseños de muebles de Emile-Jacques Ruhlmann, así como telas Art Deco, alfombras y una pintura de Jean Dupas . El diseño interior siguió los mismos principios de simetría y formas geométricas que lo diferencian del Art Nouveau, y los colores brillantes, la artesanía fina, los materiales raros y caros que lo diferencian de la estricta funcionalidad del estilo modernista. Si bien la mayoría de los pabellones estaban lujosamente decorados y llenos de muebles de lujo hechos a mano, dos pabellones, los de la Unión Soviética y el Pavilion du Nouveau Esprit, construidos por la revista de ese nombre dirigida por Le Corbusier, fueron construidos en un estilo austero con paredes blancas lisas y sin decoración; estaban entre los primeros ejemplos dearquitectura modernista . [62]
Rascacielos [ editar ]
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Los rascacielos estadounidenses marcaron la cumbre del estilo Art Deco; se convirtieron en los edificios modernos más altos y reconocibles del mundo. Fueron diseñados para mostrar el prestigio de sus constructores a través de su altura, su forma, su color y su espectacular iluminación nocturna. [63] El American Radiator Building de Raymond Hood (1924) combinó elementos modernos góticos y deco en el diseño del edificio. Se seleccionó ladrillo negro en la fachada del edificio (que simboliza el carbón) para dar una idea de solidez y darle al edificio una masa sólida. Otras partes de la fachada estaban cubiertas de ladrillos dorados (que simbolizaban el fuego), y la entrada estaba decorada con mármol y espejos negros. Otro de los primeros rascacielos Art Deco fue el de Detroit.Guardian Building , que se inauguró en 1929. Diseñado por el modernista Wirt C. Rowland , el edificio fue el primero en emplear acero inoxidable como elemento decorativo, y el uso extensivo de diseños de colores en lugar de adornos tradicionales.
El horizonte de Nueva York fue cambiado radicalmente por el Edificio Chrysler en Manhattan (terminado en 1930), diseñado por William Van Alen . Era un anuncio gigante de setenta y siete pisos de altura para automóviles Chrysler. La parte superior estaba coronada por una aguja de acero inoxidable, y estaba adornada con deco "gárgolas" en forma de decoraciones de tapa de radiador de acero inoxidable. La base de la torre, treinta y tres pisos sobre la calle, estaba decorada con coloridos frisos art deco, y el vestíbulo estaba decorado con símbolos art deco e imágenes que expresaban la modernidad. [64]
El Edificio Chrysler fue seguido por el Edificio Empire State de William F. Lamb (1931) y el Edificio RCA (ahora el Edificio Comcast ) en el Rockefeller Center, de Raymond Hood (1933), que juntos cambiaron por completo el horizonte de Nueva York. La parte superior de los edificios estaba decorada con coronas y agujas Art Deco cubiertas con acero inoxidable y, en el caso del edificio Chrysler, con gárgolas Art Deco inspiradas en adornos de radiador, mientras que las entradas y vestíbulos estaban lujosamente decorados con esculturas Art Deco. cerámica y diseño. Edificios similares, aunque no tan altos, pronto aparecieron en Chicago y otras grandes ciudades estadounidenses. El edificio Chrysler pronto fue superado en altura por el Empire State Building, en un estilo Deco ligeramente menos lujoso. El Rockefeller Center agregó un nuevo elemento de diseño: varios edificios altos agrupados alrededor de una plaza abierta, con una fuente en el centro.
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