lunes, 30 de diciembre de 2019

ESTILOS ARQUITECTÓNICOS - ARQUITECTURA POR ESTILO

ART DECO , CONTINUACIÓN IV

Muebles [ editar ]

Los muebles franceses desde 1910 hasta principios de la década de 1920 fueron en gran medida una actualización de los estilos de muebles tradicionales franceses y los diseños art nouveau de Louis Majorelle , Charles Plumet y otros fabricantes. Los fabricantes de muebles franceses se sintieron amenazados por la creciente popularidad de los fabricantes y estilos alemanes, particularmente el Biedermeierestilo, que era simple y de líneas limpias. El diseñador francés Frantz Jourdain, presidente del Salón de Otoño de París, invitó a diseñadores de Munich a participar en el Salón de 1910. Los diseñadores franceses vieron el nuevo estilo alemán y decidieron enfrentar el desafío alemán. Los diseñadores franceses decidieron presentar nuevos estilos franceses en el Salón de 1912. Las reglas del Salón indicaban que solo se permitirían los estilos modernos. Todos los principales diseñadores de muebles franceses participaron en Salon: participaron Paul Follot, Paul Iribe, Maurice Dufrene, André Groult, André Mare y Louis Suë, presentando nuevas obras que actualizaron los estilos tradicionales franceses de Louis XVI y Louis Philippe con más angular rincones inspirados en el cubismo y colores más brillantes inspirados en el fauvismo y los nabis. [97]
El pintor André Mare y el diseñador de muebles Louis Süe participaron en el Salón de 1912. Después de la guerra, los dos hombres se unieron para formar su propia compañía, formalmente llamada Compagnie des Arts Française., pero generalmente conocido simplemente como Suë y Mare. A diferencia de los prominentes diseñadores de art nouveau como Louis Majorelle, quienes diseñaron personalmente cada pieza, reunieron a un equipo de artesanos expertos y produjeron diseños interiores completos, incluidos muebles, cristalería, alfombras, cerámicas, papel tapiz e iluminación. Su trabajo presentaba colores brillantes y muebles y maderas finas, como ébano incrustado con nácar, abulón y metal plateado para crear ramos de flores. Diseñaron todo, desde el interior de los transatlánticos hasta las botellas de perfume para la etiqueta de Jean Patou . La empresa prosperó a principios de la década de 1920, pero los dos hombres eran mejores artesanos que hombres de negocios. La firma fue vendida en 1928, y ambos hombres se fueron. [98]
El diseñador de muebles más destacado en la Exposición de Artes Decorativas de 1925 fue Émile-Jacques Ruhlmann , de Alsacia. Primero exhibió sus obras en el Salón de Otoño de 1913, luego tuvo su propio pabellón, la "Casa del coleccionista rico", en la Exposición de 1925. Usó solo los materiales más raros y caros, incluidos ébano , caoba , palo de rosa , ambón y otras maderas exóticas, decoradas con incrustaciones de marfil, caparazón de tortuga, nácar, pequeños pompones de seda decorados con los tiradores de los cajones. [99]Sus muebles se basaban en modelos del siglo XVIII, pero simplificados y remodelados. En todo su trabajo, la estructura interior de los muebles estaba completamente oculta. El armazón, generalmente de roble, estaba completamente cubierto con una capa de finas tiras de madera, luego cubierto por una segunda capa de tiras de maderas raras y caras. Luego se cubrió con una chapa y se pulió, de modo que la pieza parecía haber sido cortada de un solo bloque de madera. El contraste con la madera oscura fue proporcionado por incrustaciones de marfil y placas y manijas de marfil. Según Ruhlmann, los sillones debían diseñarse de manera diferente según las funciones de las habitaciones donde aparecían; Los sillones de la sala de estar fueron diseñados para ser acogedores, las sillas de oficina cómodas y las sillas de salón voluptuosas. Solo se hizo una pequeña cantidad de piezas de cada diseño de muebles,[100]
Jules Leleu era un diseñador de muebles tradicional que se mudó sin problemas al Art Deco en la década de 1920; diseñó los muebles para el comedor del Palacio del Elíseo y para las cabañas de primera clase del barco de vapor Normandie . Su estilo se caracterizó por el uso de ébano, madera de macasar, nogal, con decoración de placas de marfil y nácar. Introdujo el estilo de los muebles art deco lacados a fines de la década de 1920, y a fines de la década de 1930 introdujo muebles de metal con paneles de vidrio ahumado. [101] En Italia, el diseñador Gio Ponti era famoso por sus diseños estilizados.
Los muebles costosos y exóticos de Ruhlmann y otros tradicionalistas enfurecieron a los modernistas, incluido el arquitecto Le Corbusier, lo que le hizo escribir una famosa serie de artículos que denuncian el estilo de décoratif de las artes . Atacó los muebles hechos solo para los ricos, y pidió a los diseñadores que crearan muebles hechos con materiales económicos y un estilo moderno, que la gente común pudiera pagar. Diseñó sus propias sillas, creadas para ser económicas y producidas en masa. [102]
En la década de 1930, los diseños de muebles se adaptaron a la forma, con superficies más lisas y formas curvas. Los maestros del estilo tardío incluyeron a Donald Deskey, uno de los diseñadores más influyentes; creó el interior del Radio City Music Hall. Utilizó una mezcla de materiales tradicionales y muy modernos, como aluminio, cromo y baquelita, una forma temprana de plástico. [103] El estilo Cascada fue popular en la década de 1930 y 1940, la forma de mobiliario Art Deco más frecuente en ese momento. Las piezas eran típicamente de madera contrachapada terminada con chapa rubia y con bordes redondeados, que se asemejan a una cascada. [104]

Diseño [ editar ]

Artículo principal: Streamline Moderne
Streamline fue una variedad de Art Deco que surgió a mediados de la década de 1930. Fue influenciado por los principios aerodinámicos modernos desarrollados para la aviación y la balística para reducir la resistencia aerodinámica a altas velocidades. Los diseñadores aplicaron las formas de las balas a los automóviles, trenes, barcos e incluso a objetos que no estaban destinados a moverse, como refrigeradores , bombas de gas y edificios. [53] Uno de los primeros vehículos de producción en este estilo fue el Chrysler Airflow de 1933. No tuvo éxito comercialmente, pero la belleza y la funcionalidad de su diseño sentaron un precedente; significaba modernidad. Continuó siendo utilizado en el diseño de automóviles mucho después de la Segunda Guerra Mundial. [105] [106] [107][108]
Nuevos materiales industriales comenzaron a influir en el diseño de automóviles y objetos domésticos. Estos incluyen aluminio , cromo y baquelita , una forma temprana de plástico. La baquelita se podía moldear fácilmente en diferentes formas, y pronto se usó en teléfonos, radios y otros electrodomésticos.
Los transatlánticos también adoptaron un estilo Art Deco, conocido en francés como Style Paquebot , o "Ocean Liner Style". El ejemplo más famoso fue el SS Normandie , que realizó su primer viaje transatlántico en 1935. Fue diseñado especialmente para llevar a los estadounidenses adinerados a París a comprar. Las cabañas y salones presentaban los últimos muebles y decoración Art Deco. El Gran Salón del barco, que era el restaurante para pasajeros de primera clase, era más grande que el Salón de los Espejos del Palacio de Versalles.. Estaba iluminado por luces eléctricas dentro de doce pilares de cristal de Lalique; treinta y seis pilares a juego alineaban las paredes. Este fue uno de los primeros ejemplos de iluminación que se integra directamente en la arquitectura. El estilo de los barcos pronto se adaptó a los edificios. Un ejemplo notable se encuentra en el paseo marítimo de San Francisco, donde el edificio del Museo Marítimo, construido como un baño público en 1937, se asemeja a un ferry, con barandas y esquinas redondeadas. La terminal de Star Ferry en Hong Kong también utilizó una variación del estilo. [28]

Textiles y moda [ editar ]

  • Abundancia en diseño textil de André Mare , (1911), Museo Metropolitano de Arte
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  • Rose Pattern Textiles diseñada por André Mare (c. 1919), Metropolitan Museum of Art
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  • Patrón Rose Mousse para tapicería, algodón y seda (1920), Metropolitan Museum of Art
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  • Diseño de pájaros de Les Ateliers de Martine por Paul Iribe (1918)
Los textiles fueron una parte importante del estilo Art Deco, en forma de papel tapiz de colores, tapicería y alfombras. En la década de 1920, los diseñadores se inspiraron en los escenarios de los Ballets Russes , los diseños de telas y los trajes de Léon Bakst y las creaciones de Wiener. Werkstätte . Los primeros diseños interiores de André Mare presentaban guirnaldas de rosas y flores de colores brillantes y altamente estilizadas, que decoraban las paredes, los pisos y los muebles. Los motivos florales estilizados también dominaron el trabajo de Raoul Dufy y Paul Poiret , y en los diseños de muebles de JE Ruhlmann. La alfombra floral fue reinventada en estilo Deco por Paul Poiret . [109]
El uso del estilo se mejoró en gran medida con la introducción del sistema de impresión basado en la plantilla de pochoir , que permitió a los diseñadores lograr líneas nítidas y colores muy vivos. Las formas Art Deco aparecieron en la ropa de Paul Poiret , Charles Worth y Jean Patou . Después de la Primera Guerra Mundial, las exportaciones de ropa y telas se convirtieron en uno de los generadores de divisas más importantes de Francia. [110]
El papel pintado y los textiles del Art Déco tardío a veces presentaban escenas industriales estilizadas, paisajes urbanos, locomotoras y otros temas modernos, así como figuras femeninas estilizadas, colores metálicos y diseños geométricos. [110]
La moda cambió dramáticamente durante el período Art Deco, en particular gracias a los diseñadores Paul Poiret y luego a Coco Chanel . Poiret introdujo una innovación importante en el diseño de moda, el concepto de drapeado , una desviación de la sastrería y la creación de patrones del pasado. [111] Diseñó ropa cortada a lo largo de líneas rectas y construida con motivos rectangulares. [111] Sus estilos ofrecían simplicidad estructural [111] El aspecto corseteado y los estilos formales del período anterior fueron abandonados, y la moda se volvió más práctica y racionalizada. con el uso de nuevos materiales, colores más brillantes y diseños impresos. [111] El diseñador Coco Chanelcontinuó la transición, popularizando el estilo deportivo, informal y chic. [112]

Joyas [ editar ]

En las décadas de 1920 y 1930, los diseñadores, incluidos René Lalique y Cartier, intentaron reducir el dominio tradicional de los diamantes mediante la introducción de piedras preciosas más coloridas, como pequeñas esmeraldas, rubíes y zafiros. También pusieron mayor énfasis en configuraciones muy elaboradas y elegantes, con materiales menos costosos como esmalte, vidrio, cuerno y marfil. Los diamantes mismos fueron cortados en formas menos tradicionales; La Exposición de 1925 vio muchos diamantes tallados en forma de pequeñas varillas o fósforos. La configuración de los diamantes también cambió; Cada vez más, los joyeros usaban platino en lugar de oro, ya que era fuerte y flexible, y podía formar grupos de piedras. Los joyeros también comenzaron a usar materiales más oscuros, como esmaltes y ónix negro., que proporcionó un mayor contraste con los diamantes. [113]
La joyería se volvió mucho más colorida y variada en estilo. Cartier y la firma de Boucheron combinaron diamantes con otras piedras preciosas coloridas cortadas en forma de hojas, frutas o flores, para hacer broches, anillos, aretes, clips y colgantes. Los temas del Lejano Oriente también se hicieron populares; Las placas de jade y coral se combinaron con platino y diamantes, y los estuches de tocador, pitilleras y cajas de pólvora se decoraron con paisajes japoneses y chinos hechos con nácar, esmalte y laca. [113]
Las modas que cambiaron rápidamente en la ropa trajeron nuevos estilos de joyería. Los vestidos sin mangas de la década de 1920 significaban que los brazos necesitaban decoración, y los diseñadores crearon rápidamente pulseras de oro, plata y platino con incrustaciones de lapislázuli, ónice, coral y otras piedras coloridas; Otras pulseras estaban destinadas a la parte superior de los brazos, y muchas pulseras a menudo se usaban al mismo tiempo. Los cortes de pelo cortos de las mujeres en los años veinte exigían elaborados diseños de aretes decorativos. Cuando las mujeres comenzaron a fumar en público, los diseñadores crearon pitilleras muy ornamentadas y boquillas de marfil. La invención del reloj de pulsera antes de la Primera Guerra Mundial inspiró a los joyeros a crear relojes decorados extraordinarios, con incrustaciones de diamantes y chapados en esmalte, oro y plata. Relojes colgantes, colgando de una cinta, también se pusieron de moda. [114]
Las joyerías establecidas de París en el período, Cartier, Chaumet , Georges Fouquet, Mauboussin y Van Cleef & Arpels crearon joyas y objetos de la nueva moda. La firma de Chaumet fabricaba cajas de cigarrillos muy geométricas, encendedores, cajas de pastillas y cuadernos, hechas de piedras duras decoradas con jade , lapislázuli , diamantes y zafiros. A ellos se unieron muchos jóvenes diseñadores nuevos, cada uno con su propia idea de deco. Raymond Templier diseñó piezas con patrones geométricos muy intrincados, incluidos aretes de plata que parecían rascacielos. Gerard Sandoztenía solo 18 años cuando comenzó a diseñar joyas en 1921; diseñó muchas piezas célebres basadas en el aspecto liso y pulido de la maquinaria moderna. El diseñador de vidrio René Lalique también ingresó al campo, creando colgantes de frutas, flores, ranas, hadas o sirenas hechas de vidrio esculpido en colores brillantes, colgando de cordones de seda con borlas. [114] El joyero Paul Brandt contrasta patrones rectangulares y triangulares, y perlas incrustadas en líneas en placas de ónix. Jean Despres hizo collares de colores contrastantes al unir laca plateada y negra, o dorada con lapislázuli. Muchos de sus diseños parecían piezas de máquinas altamente pulidas. Jean DunandTambién se inspiró en la maquinaria moderna, combinada con rojos brillantes y negros que contrastan con el metal pulido. [114]

Arte en vidrio [ editar ]

  • El pájaro de fuego de René Lalique (1922)
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  • Jarrón de loros de René Lalique (1922)
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  • Adorno de campana Victoire de René Lalique (1928)
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  • Un jarrón Daum con uvas esculpidas (1925)
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  • Ventana para una oficina de una acería de Louis Majorelle (1928)
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  • Florero Daum (1930–35)
Al igual que el período Art Nouveau anterior, el Art Deco fue un período excepcional para el vidrio fino y otros objetos decorativos, diseñados para adaptarse a su entorno arquitectónico. El productor más famoso de objetos de vidrio fue René Lalique, cuyas obras, desde jarrones hasta adornos para automóviles, se convirtieron en símbolos de la época. Había incursionado en el vidrio antes de la Primera Guerra Mundial, diseñando botellas para los perfumes de François Coty., pero no comenzó la producción seria de vidrio artístico hasta después de la Primera Guerra Mundial. En 1918, a la edad de 58 años, compró una gran fábrica de vidrio en Combs-la-Ville y comenzó a fabricar objetos de vidrio tanto artísticos como prácticos. Trataba el vidrio como una forma de escultura, y creaba estatuillas, jarrones, cuencos, lámparas y adornos. Utilizó demi-crystal en lugar de cristal de plomo, que era más suave y más fácil de formar, aunque no tan brillante. A veces usaba vidrio coloreado, pero con mayor frecuencia usaba vidrio opalescente, donde parte o la totalidad de la superficie exterior estaba manchada con un lavado. Lalique proporcionó los paneles de vidrio decorativos, luces y techos de vidrio iluminados para los transatlánticos SS Ile de France en 1927 y los SS Normandieen 1935, y para algunos de los vagones para dormir de primera clase de los ferrocarriles franceses. En la Exposición de Artes Decorativas de 1925, tuvo su propio pabellón, diseñó un comedor con una mesa que se instalaba y un techo de vidrio a juego para el Pabellón Sèvres, y diseñó una fuente de vidrio para el patio de los Cours des Métier, una delgada columna de vidrio que echó agua por los lados y se iluminó por la noche. [115]
Otros fabricantes notables de vidrio Art Deco incluyeron a Marius-Ernest Sabino, quien se especializó en figuras, jarrones, cuencos y esculturas de vidrio de peces, desnudos y animales. Para estos, a menudo usaba un vidrio opalescente que podía cambiar de blanco a azul a ámbar, dependiendo de la luz. Sus jarrones y cuencos presentaban frisos moldeados de animales, desnudos o bustos de mujeres con frutas o flores. Su trabajo fue menos sutil pero más colorido que el de Lalique. [115]
Otros diseñadores notables de vidrio Deco incluyeron a Edmond Etling, quien también usó colores opalescentes brillantes, a menudo con patrones geométricos y desnudos esculpidos; Albert Simonet, y Aristide Colotte y Maurice Marinot , conocido por sus botellas y jarrones escultóricos profundamente grabados. La firma de Daum de la ciudad de Nancy , que había sido famosa por su vidrio Art Nouveau, produjo una línea de jarrones Deco y escultura de vidrio, de forma sólida, geométrica y gruesa. Gabriel Argy-Rousseau , quien produjo jarrones delicadamente coloreados con mariposas y ninfas esculpidas, y Francois Decorchemont, cuyos jarrones estaban veteados y veteados, hicieron obras más delicadas y multicolores . [115]
La Gran Depresión arruinó una gran parte de la industria del vidrio decorativo, que dependía de clientes adinerados. Algunos artistas recurrieron al diseño de vidrieras para iglesias. En 1937, la compañía de vidrio Steuben comenzó la práctica de comisionar a artistas famosos para producir artículos de vidrio. [115] Louis Majorelle , famoso por sus muebles Art Nouveau, diseñó una notable vidriera Art Deco que retrata a los trabajadores del acero para las oficinas de Aciéries de Longwy , una fábrica de acero en Longwy , Francia.

Arte en metal [ editar ]

  • Una parrilla con dos alas llamada The Pheasants , hecha por Paul Kiss y exhibida en la Exposición de artes decorativas e industriales de 1925
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  • Parrilla de hierro y cobre llamada Oasis por Edgar Brandt, exhibida en la Exposición de París de 1925
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  • Conjunto de cóctel de acero cromado de Norman Bel Geddes (1937)
Los artistas Art Deco produjeron una amplia variedad de objetos prácticos en el estilo Art Deco, hechos de materiales industriales desde hierro forjado tradicional hasta acero cromado. El artista estadounidense Norman Bel Geddes diseñó un conjunto de cóctel que se asemeja a un rascacielos de acero cromado. Raymond Subes diseñó una elegante rejilla metálica para la entrada del Palacio de la Puerta Dorée, la pieza central de la Exposición Colonial de París de 1931. El escultor francés Jean Dunand produjo magníficas puertas sobre el tema "La caza", cubiertas con pan de oro y pintura sobre yeso (1935).
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