Art Deco tardío [ editar ]
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En 1925 coexistieron dos escuelas diferentes en el Art Deco: los tradicionalistas, quienes habían fundado la Sociedad de Artistas Decorativos; incluidos el diseñador de muebles Emile-Jacques Ruhlmann, Jean Dunard, el escultor Antoine Bourdelle y el diseñador Paul Poiret; combinaron formas modernas con artesanía tradicional y materiales caros. Por otro lado, estaban los modernistas, que rechazaban cada vez más el pasado y querían un estilo basado en los avances en las nuevas tecnologías, la simplicidad, la falta de decoración, los materiales económicos y la producción en masa. Los modernistas fundaron su propia organización, La Unión Francesa de Artistas Modernos , en 1929. Sus miembros incluyeron a los arquitectos Pierre Chareau , Francis Jourdain , Robert Mallet-Stevens, Corbusier y, en la Unión Soviética, Konstantin Melnikov ; la diseñadora irlandesa Eileen Gray y la diseñadora francesa Sonia Delaunay, los joyeros Jean Fouquet y Jean Puiforcat . Atacaron ferozmente el estilo tradicional art deco, que dijeron que fue creado solo para los ricos, e insistieron en que los edificios bien construidos deberían estar disponibles para todos, y esa forma debería seguir la función. La belleza de un objeto o edificio residía en si estaba perfectamente en forma para cumplir su función. Los métodos industriales modernos significaban que los muebles y los edificios podían ser producidos en masa, no hechos a mano. [66] [67]
El diseñador de interiores Art Deco Paul Follot defendió a Art Deco de esta manera: "Sabemos que el hombre nunca se contenta con lo indispensable y que lo superfluo siempre es necesario ... Si no, tendríamos que deshacernos de la música, las flores y perfumes ..! " [68]Sin embargo, Le Corbusier fue un publicista brillante para la arquitectura modernista; Dijo que una casa era simplemente "una máquina para vivir" y promovió incansablemente la idea de que Art Deco era el pasado y que el modernismo era el futuro. Las ideas de Le Corbusier fueron adoptadas gradualmente por las escuelas de arquitectura, y la estética del Art Deco fue abandonada. Las mismas características que hicieron popular al Art Decó al principio, su artesanía, materiales ricos y adornos, llevaron a su declive. La Gran Depresión que comenzó en los Estados Unidos en 1929 y llegó a Europa poco después, redujo en gran medida el número de clientes adinerados que podían pagar los muebles y objetos de arte. En el clima económico de la Depresión, pocas empresas estaban listas para construir nuevos rascacielos. [28]Incluso la firma Ruhlmann recurrió a la producción de muebles en serie, en lugar de artículos individuales hechos a mano. Los últimos edificios construidos en París en el nuevo estilo fueron el Museo de Obras Públicas de Auguste Perret (ahora el Consejo Económico, Social y Ambiental de Francia ) y el Palacio de Chaillot de Louis-Hippolyte Boileau , Jacques Carlu y Léon Azéma , y el Palacio de Tokio de la Exposición Internacional de París de 1937 ; Miraron hacia el grandioso pabellón de la Alemania nazi, diseñado por Albert Speer , que se enfrentaba al igualmente grandioso pabellón socialista-realista de la Unión Soviética de Stalin.
Después de la Segunda Guerra Mundial, el estilo arquitectónico dominante se convirtió en el Estilo Internacional promovido por Le Corbusier y Mies Van der Rohe . Un puñado de hoteles Art Deco se construyeron en Miami Beach después de la Segunda Guerra Mundial, pero en otros lugares el estilo desapareció en gran medida, excepto en el diseño industrial, donde continuó utilizándose en el diseño de automóviles y productos como jukeboxes. En la década de 1960, experimentó un modesto renacimiento académico, gracias en parte a los escritos de historiadores de la arquitectura como Bevis Hillier. En la década de 1970 se hicieron esfuerzos en los Estados Unidos y Europa para preservar los mejores ejemplos de arquitectura Art Deco, y muchos edificios fueron restaurados y reutilizados. Arquitectura posmoderna, que apareció por primera vez en la década de 1980, como Art Deco, a menudo incluye características puramente decorativas. [28] [51] [69] [70] Deco sigue inspirando a los diseñadores, y a menudo se usa en la moda contemporánea, joyas y artículos de tocador. [71]
Pintura [ editar ]
No había una sección reservada para pintar en la Exposición de 1925. La pintura Art Decó fue, por definición, decorativa, diseñada para decorar una habitación u obra de arquitectura, por lo que pocos pintores trabajaron exclusivamente en el estilo, pero dos pintores están estrechamente asociados con el Art Decó. Jean Dupas pintó murales Art Deco para el Pabellón de Burdeos en la Exposición de Artes Decorativas de 1925 en París, y también pintó el cuadro sobre la chimenea en la exposición Maison de la Collectioneur en la Exposición de 1925, que presentaba muebles de Ruhlmann y otros destacados diseñadores de Art Deco. . Sus murales también fueron prominentes en la decoración del trasatlántico francés SS Normandie . Su trabajo era puramente decorativo, diseñado como fondo o acompañamiento de otros elementos de la decoración. [72]
La otra pintora estrechamente asociada con el estilo es Tamara de Lempicka . Nacida en Polonia, emigró a París después de la Revolución Rusa . Estudió con Maurice Denis y André Lhote , y tomó prestados muchos elementos de sus estilos. Pintó retratos en un estilo Art Deco realista, dinámico y colorido. [73]
En la década de 1930, apareció una nueva forma dramática de pintura Art Deco en los Estados Unidos. Durante la Gran Depresión, se creó el Proyecto Federal de Arte de la Administración de Progreso de Obras para dar trabajo a artistas desempleados. A muchos se les dio la tarea de decorar edificios gubernamentales, hospitales y escuelas. No había un estilo art deco específico utilizado en los murales; los artistas dedicados a pintar murales en edificios del gobierno provenían de muchas escuelas diferentes, desde el regionalismo estadounidense hasta el realismo social ; incluyeron a Reginald Marsh , Rockwell Kent y el pintor mexicano Diego Rivera. Los murales eran de estilo Art Deco porque todos eran decorativos y estaban relacionados con las actividades en el edificio o la ciudad donde fueron pintados: Reginald Marsh y Rockwell Kent decoraron edificios postales de EE. UU. el Instituto de Artes de Detroit . El mural de Diego Rivera El hombre en la encrucijada (1933) para el Rockefeller Center presentaba un retrato no autorizado de Lenin . [74] [75] Cuando Rivera se negó a retirar a Lenin, la pintura fue destruida y el artista español Josep Maria Sert pintó un nuevo mural . [76] [77] [78]
Escultura [ editar ]
Escultura monumental y pública [ editar ]
La escultura era una característica muy común e integral de la arquitectura Art Deco. En Francia, los bajorrelieves alegóricos que representan la danza y la música de Antoine Bourdelle decoraron el primer hito Art Deco en París, el Théâtre des Champs-Élysées en París, en 1912. En 1925 se colocaron importantes obras escultóricas alrededor del sitio, los pabellones fueron decorados con frisos escultóricos y varios pabellones dedicados a esculturas de estudio más pequeñas. En la década de 1930, un gran grupo de escultores prominentes hizo obras para la Exposición Internacional de Artes y Técnicas de 1937 dans la Vie Moderne en Chaillot. Alfred Janniot realizó las esculturas en relieve en la fachada del Palacio de Tokio. los museo de arte moderno de la ciudad de París, y la explanada frente al Palacio de Chaillot, frente a la Torre Eiffel, estaba llena de nuevas estatuas por Charles Malfray , Henry Arnold y muchos otros. [79]
La escultura pública de art déco era casi siempre representativa, generalmente de figuras heroicas o alegóricas relacionadas con el propósito del edificio o la habitación. Los temas generalmente fueron seleccionados por los clientes, no por el artista. La escultura abstracta para la decoración era extremadamente rara. [80] [81]
En los Estados Unidos, el escultor Art Deco más destacado para el arte público fue Paul Manship , quien actualizó temas y temas clásicos y mitológicos en un estilo Art Deco. Su obra más famosa fue la estatua de Prometeo en el Rockefeller Center de Nueva York, una adaptación de un tema clásico del siglo XX. Otras obras importantes para el Rockefeller Center fueron realizadas por Lee Lawrie , incluida la fachada escultórica y la estatua del Atlas .
Durante la Gran Depresión en los Estados Unidos, a muchos escultores se les encargó realizar obras para la decoración de edificios del gobierno federal, con fondos proporcionados por la WPA o la Administración de Progreso de Obras . Incluyeron al escultor Sidney Biehler Waugh, quien creó imágenes estilizadas e idealizadas de trabajadores y sus tareas para edificios de oficinas del gobierno federal. [82] En San Francisco, Ralph Stackpole proporcionó escultura para la fachada del nuevo edificio de la Bolsa de San Francisco . En Washington DC, Michael Lantz realizó trabajos para el edificio de la Comisión Federal de Comercio .
En Gran Bretaña, Eric Gill hizo la estatuaria pública de Deco para la BBC Broadcasting House , mientras que Ronald Atkinson decoró el vestíbulo del antiguo edificio Daily Express en Londres (1932).
Una de las esculturas art déco públicas más conocidas y sin duda las más grandes es el Cristo Redentor del escultor francés Paul Landowski , completado entre 1922 y 1931, ubicado en la cima de una montaña con vista a Río de Janeiro , Brasil.
Escultura de estudio [ editar ]
Muchas de las primeras esculturas Art Deco eran pequeñas, diseñadas para decorar salones. Un género de esta escultura se llamaba la estatuilla Criselefantina , llamada así por un estilo de estatuas de templos griegos antiguos hechas de oro y marfil. A veces estaban hechas de bronce, o a veces con materiales mucho más lujosos, como el marfil. ónix alabastro y pan de oro.
Uno de los escultores de salón Art Deco más conocidos fue el rumano Demétre Chiparus , que produjo pequeñas esculturas coloridas de bailarines. Otros escultores notables del salón incluyeron a Ferdinand Preiss , Josef Lorenzl , Alexander Kelety, Dorothea Charol y Gustav Schmidtcassel. [83] Otro escultor estadounidense importante en el formato de estudio fue Harriet Whitney Frishmuth , que había estudiado con Auguste Rodin en París.
Pierre Le Paguays fue un destacado escultor de estudio Art Deco, cuyo trabajo se mostró en la Exposición de 1925. Trabajó con bronce, mármol, marfil, ónice, oro, alabastro y otros materiales preciosos. [84]
François Pompon fue un pionero de la escultura estilizada animalier moderna . No fue completamente reconocido por sus logros artísticos hasta la edad de 67 años en el Salon d'Automne de 1922 con la obra Ours blanc , también conocida como The White Bear , ahora en el Musée d'Orsay en París. [85]
Paralelamente a estos escultores art déco, en París y Nueva York trabajaban escultores modernistas más vanguardistas y abstractos. Los más destacados fueron Constantin Brâncuși , Joseph Csaky , Alexander Archipenko , Henri Laurens , Jacques Lipchitz , Gustave Miklos , Jean Lambert-Rucki , Jan et Joël Martel , Chana Orloff y Pablo Gargallo .
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