ALTARES - RETABLOS
El Retablo de Santa Teresa de Jesús se encuentra en la catedral de Astorga en uno de sus muros, empotrado en un arco de medio punto. El retablo se debe al mecenazgo del obispo de dicha catedral Alfonso Mejía de Tovar (también llamado Alfonso Messia de Tovar, 1616-1636), que lo encargó con motivo de la canonización de la santa en 1622.[nota 1] Es de estilo manierista, propio de la Contrarreforma, con motivos pictóricos que hacen alusión a los mandatos del Concilio de Trento sobre el tema de los santos, además de la exaltación teresiana conforme con el momento histórico que estaba viviendo la Iglesia católica. No solo la exaltación de esta santa sino en general de las religiosas femeninas a quienes el protestantismo vedaba por considerarlo algo contrario al Evangelio.
Consta de banco, un cuerpo, tres calles y un ático. Las pinturas se deben al canónigo Juan de Peñalosa (poeta y artista) y la arquitectura está atribuida a Francisco Ruiz. La Santa titular está colocada en una hornacina en el centro, en actitud de escribir; es una talla de madera policromada.
Descripción del retablo
Consta de banco, un solo cuerpo, tres calles y ático. Se cree que el arquitecto ensamblador fue Francisco Ruiz; las pinturas al óleo son de Juan de Peñalosa y la imagen de Santa Teresa queda en el anonimato. Pertenece al primer tercio del siglo XVII. El estilo es manierista (o contrarreformista o barroco clasicista).
En el centro del banco está colocado el sagrario en cuya puerta y sobre tabla pintada está representado Cristo. A ambos lados están las pinturas de los cuatro doctores de a Iglesia latina: Jerónimo, Gregorio, Ambrosio y Agustín.
La calle central es muy amplia ocupada por entero por una hornacina que cobija la imagen de Santa Teresa. La talla es de madera policromada y está en actitud de escribir bajo la inspiración del Espíritu Santo (representado a la izquierda por una paloma). Lleva el hábito de carmelita; bajo su figura, en la peana, puede verse el escudo heráldico del obispo mecenas que se repite en grande en el frontón que cierra esta calle. La hornacina está enmarcada por columnas estriadas rematadas por capiteles corintios.
A ambos lados de la imagen de Santa Teresa, en las calles laterales están dispuestas cuatro pinturas que representan a cuatro religiosas: Santa Escolástica (benedictina), Santa Catalina de Siena (dominica), Santa Paula Romana (jerónima) y Santa Clara de Asís (franciscana). Los cuadros son grandes y verticales, obra como ya se ha dicho de Juan de Peñalosa.
El ático está dividido en tres partes. La central está totalmente ocupada por un lienzo grande, obra de Juan de Peñalosa, con el tema de la imposición del Collar a la santa por la Virgen y San José. Es un tema recogido del capítulo XXXIII de su autobiografía. En los extremos de este gran cuadro hay otros dos más pequeños representando a San Juan Bautista y a San Juan Evangelista. Corona el ático un frontón curvo.
El retablo en honor a Santa Ana es una obra pictórica (temple sobre tabla) que fue concebida para la iglesia parroquial de San Nicolás de Bari de Sinovas, en la provincia de Burgos (España). Su autor es el anónimo maestro de Sinovas (muy cercano al maestro de Osma) y versa sobre la vida de Santa Ana, madre de la Virgen María. Bajo su predela hay una inscripción en caracteres góticos que determina su fecha de ejecución en 1503. Se conserva desde 1962 en el Museo de Arte Español Enrique Larreta de Buenos Aires (Argentina).
Historia
A comienzos del siglo XVI se hizo el encargo de este retablo con destino a la iglesia de San Nicolás de Bari (un templo con un rico legado artístico) del lugar de Sinovas, que por entonces era un barrio o arrabal de Aranda de Duero, de la diócesis de Osma. El encargo se hizo a un buen artista, activo por la zona. Siempre se le consideró como uno de los mayores tesoros de la iglesia.
- Desaparición y venta
La historia de la venta y trasiego de este retablo se debe a un contexto especial marcado por unas actividades comerciales internacionales de antigüedades junto con un desinterés social y un desconocimiento de la riqueza artística susceptible de protección. El 19 de marzo de 1913 el párroco de la iglesia vendió el retablo sin autorización del obispado, por la cantidad de 10 000 pts.; se dijo que «para reparar y acondicionar el templo». La venta se hizo a Joaquín Cobrejo Moreno. A continuación hubo denuncia y sentencia y el fiscal declaró el hecho como delito de estafa pero finalmente se retiró la acusación y el párroco fue absuelto. Después surgieron iniciativas con el propósito de recuperarlo pero el retablo ya había iniciado su andadura y estaba en poder de unos anticuarios que lo enviaron a Francia para venderlo a Emilio Pares. Poco tiempo después y por mediación de un anticuario de París, Georges Demotte, lo adquirió el argentino Enrique Larreta que lo llevó a su casa de su ciudad natal de Buenos Aires, instalándolo en el oratorio de su hogar. Fue allí, en 1916 donde el historiador Elías Tormo tuvo ocasión de llevar a cabo un exhaustivo estudio. Larreta murió en 1961 y sus herederos depositaron el retablo en el Museo de Arte Español donde hoy se conserva; se le considera como pieza muy apreciada siendo el retablo más antiguo de toda Argentina.[1] [2]
Descripción
Sus medidas son 3,39x2,53; es temple sobre madera con aderezos dorados y tallados. El primitivo retablo tuvo unas puertas a manera de tríptico que corrieron peor suerte pues se hallan en paradero desconocido y solo se conserva una mediocre fotografía tomada en la propia iglesia antes de que comenzaran todos los avatares de la venta y desaparición. Está formado por un sotobanco, banco o predela, tres calles y dos cuerpos. El sotobanco está compuesto por una inscripción en caracteres góticos que dice:
ESTE RETABLO SE HISO A HONOR E REVERENCIA DE SEÑORA SANTANA ACABOSE AÑO DE MILL I QUINIENTOS I TRES SIENDO CURA EL HONRRADO ALONSO GONÇALES Y MAYORDOMO RODRIGO DE ARANDILLAAutor
La mazonería[a] del retablo tiene elementos decorativos propios del gótico isabelino con doseletes, columnillas góticas, guardapolvo y mucha decoración vegetal. Hay algunos elementos de transición como los fondos dorados que son característicos del gótico internacional y también influencia flamenca como es el darle gran importancia al paisaje: se ven montañas, lagos e incluso una pequeña embarcación. Las nuevas técnicas de perspectiva se solucionan con el ajedrezado en dos de las tablas. Se aprecia la inclusión de edificios.
El banco (o predela) está compuesto por cuatro cuadros con personajes protagonistas de diversas escenas que representan momentos de la vida de cada uno. De izquierda a derecha el espectador puede ver: Santa Catalina con su atributo del martirio que es la rueda; Misa de San Gregorio; San Sebastián sufriendo las flechas del martirio; y finalmente unos personajes que no han sido identificados.
El retablo propiamente dicho está formado por tres calles y dos cuerpos. En la calle de la izquierda del espectador, arriba, se representa la escena de la expulsión del templo del matrimonio Joaquín y Ana; debajo, un ángel anuncia a Joaquín que su esposa Ana está encinta. En la calle central, arriba, el Resucitado; debajo en lugar principal, Santa Ana con su libro de oraciones, la Virgen coronada y el Niño, tema que se conoce como santa Ana Triple. En la calle de la derecha, arriba, un ángel anuncia a Ana que va a ser madre; abajo escena del encuentro ante la Puerta Dorada.
El retablo mayor de la catedral de Astorga ocupa el fondo del presbiterio de dicha catedral.
Las obras de ejecución duraron desde 1558 (año en que se firmó el contrato) a 1584. Está realizado enteramente en madera policromada siguiendo las trazas arquitectónicas del escultor Gaspar Becerra. Las esculturas se deben a este mismo artista y a sus colaboradores, escultores muy estimados que trabajaban en el taller de Becerra a quien consideraban su maestro y de quien aprendían a ejecutar las nuevas tendencias manieristas-romanistas. La policromía final es obra de Gaspar de Hoyos y Gaspar de Palencia. Con esta obra, Becerra tuvo la oportunidad de mostrar las novedades artísticas aprendidas y asimiladas en Italia donde había trabajado junto a los escultores de gran talla Giorgio Vasari y Volterra.
La organización del retablo fue una gran novedad introducida por este equipo de artistas. El armazón presentó columnas y frontones clasicistas, planteándose un nuevo sistema arquitectónico que sirvió de ejemplo a los retablos de la segunda mitad del siglo XVI; el empleo de los ignudi y de los fustes de las columnas decorados con temas florales fueron una innovación que llamó mucho la atención y que posteriormente fue frecuentemente copiado.[1]
El retablo está dividido en tres cuerpos o pisos y cinco calles, más cuatro entrecalles. En la calle central están dispuestos los grupos en bulto redondo de la Asunción y de la Coronación de la Virgen. Toda la iconografía está dedicada a la vida de Cristo y de la Virgen, siguiendo un programa narrativo facilitado por el Cabildo de la catedral y teniendo siempre en cuenta los mandatos del Concilio de Trento al respecto. Es una verdadera enseñanza de los pasajes marianos. El Calvario del ático es de grandes proporciones. En el centro de la predela o banco está colocado el sagrario, de buen tamaño según se acostumbra a hacer a partir de las recomendaciones de la Contrarreforma. A ambos lados se encuentran los relieves de las Virtudes.
Este retablo de Astorga tuvo una gran aceptación y una notable difusión, influyendo en gran medida en las obras venideras, especialmente en tierras de Burgos, La Rioja y Navarra donde los seguidores y discípulos de Becerra fueron fieles a las novedades artísticas aplicadas en esta catedral.[2]
Contexto histórico-artístico
El último tercio del siglo XVI se caracteriza por la influencia del manierismo romano clasicista y monumental frente a las tendencias anteriores del manierismo florentino de tradición expresionista. Algunos artistas del momento (pintores y escultores) habían viajado a Italia para formarse y para descubrir y aprender las nuevas técnicas y las nuevas modas. Muchos hicieron copias y bocetos (llamados estampas) de las obras de los grandes maestros (Miguel Ángel, Volterra, Vasari), como Gaspar Becerra, cuya valiosa colección le sirvió de guía en casi todas sus obras, que a su muerte pasó a su discípulo Esteban Jordán. Se tiene también conocimiento de dos libros de estampas que dejó a su muerte el escultor Pedro López de Gámiz.[3]
En España reinaba Felipe II, gran impulsor y entusiasta del renacimiento clasicista. La Iglesia Católica impuso con la Contrarreforma una serie de dogmas y mandatos que se fueron reflejando en el arte religioso del Renacimiento hasta culminar en el Barroco. Los obispos y comitentes de las catedrales dictaron como consecuencia las normas sobre los temas a seguir por los artistas del momento. El retablo fue uno de los recursos más apreciados, como expositor de las enseñanzas en el que se resaltaría sobre todo el sagrario y los pasajes de la vida de la Virgen, dos temas muy discutidos en el Concilio de Trento.
El Cabildo de la catedral de Astorga tomó la decisión de encargar un retablo mayor, acorde con la importancia de la diócesis. Para llevar a cabo tal decisión convocaron un concurso al que se presentaron dos talleres de prestigio: El taller de Juan Picardo (colaborador de Juan de Juni en el retablo de la catedral de El Burgo de Osma) y Pedro de Andrés, residentes ambos en Medina del Campo y el taller de los escultores palentinos Manuel Álvarez, Lucas Ortiz y Juan Ortiz. Ambos talleres hacían trabajos de calidad al modo tradicional que todavía subsistía, dentro del renacimiento plateresco español. Pero en el Cabildo había una gran mayoría de clérigos que se inclinaba (aun sin haberlo visto) por las nuevas formas importadas una vez más de Italia, así que desestimaron estas ofertas y contactaron con el escultor Gaspar Becerra de quien tenían muy buena referencia. Becerra aceptó el encargo y, según costumbre, presentó de antemano una escultura para que el Cabildo juzgase si seguir lo tratado o no. La escultura presentada fue el grupo de la Asunción que puede verse en el retablo, en lugar preferente como imagen titular del templo. Los modelos que pudo seguir Becerra para su realización y para las otras imágenes de la Virgen pueden rastrearse en la Asunción de la capilla Rovere de Daniele da Volterra en Santa Trinitá dei Monti, de Roma, 1548, en la figura de Raquel de la tumba de Julio II de Miguel Ángel, o en la Piedad de Sebastiano del Pombo (museo de Viterbo 1517).[4]
Asunción de la capilla Rovere de Daniele da Volterra
Figura de Raquel de la tumba de Julio II de Miguel Ángel
Piedad de Sebastiano del Piombo. Museo Cívico de Viterbo.
Becerra era vecino de Valladolid cuando firmó el contrato con el Cabildo de Astorga. Para realizar la obra formó un gran equipo contratando una serie de colaboradores cuyos nombres están constatados en diversos documentos (entre otros Esteban Jordán, Bartolomé Hernández y Pedro de Arbulo), además de oficiales y ayudantes, muchos de los cuales le seguirán más tarde a la Corte de Madrid a requerimiento del rey Felipe II. La mayoría de estos colaboradores, oficiales y ayudantes, a la muerte del maestro fueron capaces de independizarse y formar sus propios talleres.[5]
Estructura y configuración del retablo de Astorga
La estructura y configuración del retablo de Astorga supuso una innovación que conmocionó al mundo artístico y religioso. Fue un cambio efectivo de la traza y del repertorio narrativo. Los elementos decorativos de los años anteriores ya no eran válidos; se buscaba una mayor claridad arquitectónica al tiempo que mayor monumentalidad. Las características principales eran: severidad de conjunto; ausencia de arcos frente al elemento adintelado; el uso de frontones curvos y triangulares con los ignudi recostados; cajas planas para los altorrelieves; recurso de los órdenes clásicos; columnas estriadas con capitel corintio;[nota 1] adornos de triglifos, metopas, cartelas, atlantes, escudetes, festones. Los grutescos de la moda anterior dan paso al rameado (ramos o ramas vegetales).[nota 2][6]
En el retablo de Becerra el lenguaje manierista se representa esencialmente por las ménsulas enormes, alternancia de frontones, ignudi recostados y sobriedad de los elementos arquitectónicos.
Descripción del retablo
El retablo está dividido en tres cuerpos o pisos y cinco calles, más cuatro entrecalles, apoyándose todo en una predela. En el centro del banco o predela está situado el sagrario, que merece una mención aparte. A ambos lados del sagrario hay unos altorrelieves horizontales enmarcados en rectángulos y separados por ménsulas en las que se apoya el primer cuerpo y sobre las que se sitúan las columnas de separación. Los altorrelieves muestran dos virtudes, Fe y Caridad y dos alegorías, Religión y Vigilancia. Estas figuras (de bellas anatomías) y los ignudi que las acompañan, están concebidas al estilo de las Sibilas de la bóveda de la Capilla Sixtina y de las tumbas mediceas.
La parte central del primer cuerpo y los cuatro altorrelieves verticales que lo componen están limitados por dobles columnas de orden corintio cuyo fuste está muy labrado con motivos vegetales (rameado) y humanos, concesión que hizo Becerra a petición del Cabildo, pues algunos miembros opinaban que no debía romperse bruscamente con la tradición. Los cuatro altorrelieves están rematados por frontones alternando curvos con triangulares y sobre ellos se recuestan los ignudi citados. En los tímpanos de los frontones se ven relieves de cabezas de ángeles con alas. El primer cuerpo está separado del segundo por un friso esculpido y decorado también con ignudi. Sobre este friso hay una pequeña cornisa y basamento que soportan el segundo cuerpo.
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El segundo cuerpo se desarrolla a partir de un espacio ideado a manera de banco interrumpido en el centro, lugar donde está colocado el grupo escultórico de bulto redondo de la Asunción de la Virgen. En cada calle correspondiente, el banco presenta esculturas de angelotes tenantes que sostienen cartelas ovaladas; estas escenas están limitadas por ménsulas que, como en el primer banco, soportan las columnas de cada calle. El grupo de la Asunción está enmarcado y separado de las entrecalles (o intercolumnios) por columnas estriadas cuyo tercio bajo vuelve a estar labrado con ignudi y rameado.[nota 3] Los capiteles son corintios. Los cuatro altorrelieves situados en las cuatro calles están enmarcados por columnas similares a las centrales y coronados igual que en el primer cuerpo por frontones que alternan el triángulo con la curva. Estos frontones sirven de base al tercer cuerpo.
Es en este tercer cuerpo donde Becerra expresó plenamente el manierismo romano sin hacer ningún tipo de concesión al pasado cercano. En sus notas y apuntes puede leerse esta reflexión:
[...] que no se haga talla [para la parte de arriba] pues causaría muy gran confusión.
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Las columnas del primer y segundo cuerpo desaparecen y dan paso a las molduras que sirven de encuadre, rematadas por triglifos saledizos. En la calle central está colocado el segundo grupo especial, en bulto redondo, con el tema de la Coronación de la Virgen. Lo remata un frontón triangular. Sobre los recuadros de los relieves de las otras calles y a modo de separación con el ático, el espacio está recorrido por unos modillones o pequeñas ménsulas que soportan una cornisa.
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En el ático está situado un Calvario de gran tamaño, con la cruz de Cristo y las figuras de la Virgen y San Juan, decorando el espacio una pintura de carácter arquitectónico que puede representar la Jerusalén Celeste. Arriba del todo está dibujado un sol con sus rayos y rodeado de cabezas de angelitos; en el centro un triángulo y dentro, un ojo.[nota 4] A ambos lados del grupo del Calvario están colocadas grandes figuras que representan los Padres de la Iglesia (Ambrosio, Jerónimo, Agustín y Gregorio); también santos fundadores (Benito, Domingo de Guzmán y Francisco de Asís), predicadores y diáconos; un total de diez imágenes. En los intercolumnios de las calles del segundo y tercer cuerpo se alojan representaciones de evangelistas, apóstoles y dos santos muy venerados en aquellos años: Juan el Bautista como precursor de Cristo y San Sebastián abogado de la peste.
Escultura de parte del banco o predela.
Escultura de parte del banco o predela. Se ve también algún panel del primer cuerpo.
El sagrario
El sagrario cobró gran protagonismo en los retablos, a partir del Concilio de Trento. Era una pieza que se encargaba siempre aparte, con una serie de requerimientos que no se dejaban al azar.
El diseño y ejecución de este sagrario es de Becerra y su policromía, dorado y estofado de Gaspar de Palencia y Gaspar de Hoyos. Sin embargo las figuras de Melquisedec y Moisés fueron encargadas más tarde por el Cabildo que quería engrandecer más esta obra.[7] La figura de Melquisedec (que lleva un pan en la mano) simboliza la eucaristía, según el texto que dice
"[...] y Melquisedec, rey de Salem, sacando pan y vino, como era sacerdote del Dios Altísimo, bendijo a Abram, diciendo: -Bendito Abram del Dios Altísimo, el dueño de cielos y tierra. Y bendito el Dios Altísimo, que ha puesto a tus enemigos en tus manos. Y le dio Abram el diezmo de todo."Génesis 14, 18-20, traducción Nácar-Colunga, 1978 BAC
El sagrario de Astorga consta de dos partes: una arqueta eucarística que ocupa el centro de la predela y un templete de considerables proporciones sobre dicha arqueta que ocupa el centro del primer cuerpo. El templete está diseñado a la manera de las custodias procesionales y coronado por un frontón triangular en cuyo centro está labrado el escudo del Cabildo con el cordero místico. Lo resguardan dos angelotes desnudos (ignudi) recostados en los lados inclinados del triángulo.[nota 5]
Tema de los altorrelieves
El Cabildo eligió con precisión el discurso iconográfico. Todos los relieves giran alrededor de la vida de la Virgen con algunas escenas de pasajes de Jesús relacionados con su madre. De izquierda a derecha y de arriba abajo pueden verse las siguientes escenas:
- Abrazo ante la Puerta Dorada
- Nacimiento de la Virgen
- Desposorios con San José
- Anunciación
- Adoración de los pastores
- Circuncisión
- Adoración de los Magos
- Presentación en el templo
- Jesús entre los doctores
- Piedad
- Ascensión
- Pentecostés
Los temas son estrictamente trentinos, con descripciones muy claras para que el creyente pudiera interpretar a primera vista. La intención es enseñar la doctrina y ensalzar la figura de la Virgen.[8]
Policromía
El retablo fue dorado y policromado por Gaspar de Palencia (residente en Valladolid) y Gaspar de Hoyos (nacido en Cuenca de Campos y residente en Madrid). Firmaron el contrato el 5 de diciembre de 1569, en el cual se especifica que Gaspar de Palencia debía policromar la mitad del retablo correspondiente al lado de la Epístola y Gaspar de Hoyos el lado del Evangelio. El tiempo establecido para la entrega del trabajo fue de tres años, condición que se cumplió rigurosamente.
La policromía del sagrario se hizo aparte y en otro momento. El Cabildo encargó el trabajo a Gaspar de Palencia en el año 1578, recomendando al pintor que lo hiciera siguiendo las pautas del resto del retablo:[7]
[...] se harían conformándose con el estofado que está fecho en el retablo de la dicha Iglesia y de la misma forma y antes mejor que peor.
Gaspar de Palencia realizó un trabajo de autor miniaturista desarrollando un programa veterotestamentario para el misterio eucarístico, siguiendo siempre los postulados del Concilio de Trento. Además de la pintura realizó para el sagrario las trazas de nuevas esculturas que enriquecerían el tabernáculo (figuras de Moisés y Melquisedec y dos profetas recostados en el frontón triangular). El estudio de estas tallas hace pensar a los historiadores de arte que salieron de la gubia de Bartolomé Hernández, que había trabajado en el equipo de Becerra en el propio retablo y que en aquellos años ya se había hecho con una clientela en Astorga.
Difusión
El trabajo en equipo del retablo de Astorga tuvo una enorme difusión dejando una importante huella de los principios romanistas no solo en los escultores sino en pintores y orfebres. La circulación de artistas junto con el movimiento de clérigos y comitentes consiguió que este nuevo arte se expandiera fuera de León. Hacia Galicia viajó con la figura de Gregorio Español durante los primeros años del siglo XVII. En Valladolid Juan de Juni y Berruguete estaban bastante cercanos a las nuevas formas y en León ocurría lo mismo con los escultores seguidores de Juni.[nota 6] Esteban Jordán, uno de los mejores discípulos de Becerra, hizo las trazas del retablo de Santa María de Rioseco siguiendo el estilo de su maestro. Burgos, La Rioja y Navarra se vieron invadidos de escultores seguidores de Gaspar Becerra que desarrollaron su arte ampliamente en estas tierras.
El retablo de la capilla mayor de la catedral de Burgos fue realizado durante el renacimiento español por los escultores Rodrigo y Martín de la Haya en estilo manierista romanista.
Historia
En el año 1562 los hermanos Rodrigo y Martín de la Haya recibieron el encargo por parte del cabildo catedralicio de realizar un nuevo retablo mayor y escultórico en sustitución del anterior pictórico de la época gótica, y dedicado a la Virgen María. Se inspiraron para su realización en el retablo de la catedral de Astorga realizado por Gaspar Becerra. Ceán Bermúdez en su Diccionario Histórico, recogió los nombres de estos autores basándose en el relato del escritor-viajero Antonio Ponz, que fue el primero que les dio a conocer. Su construcción se caracterizó por su monumentalidad y por el seguimiento de las nuevas corrientes iconográficas dictadas por la contrarreforma, entre las que había el Decreto sobre la Santísima Eucaristía, dándole gran importancia a la creación del sagrario, así como la inclusión de reliquias de las santas Victoria, Centola y Elena, en el banco del retablo. Preside el retablo una imagen sedente de Santa María la Mayor de plata realizada por Cristóbal de Valladolid en estilo gótico durante el año 1464. Fue su comitente el obispo Luis de Acuña y Osorio.[1]
Los hermanos de la Haya habían formado sociedad y trabajaban siempre juntos, lo que hace difícil atribuir las obras por separado, sin embargo Rodrigo era un poco más tradicional y más cercano al cuatrocentismo italiano. Las posturas que adoptan sus esculturas son delicadas y con expresiones muy idealizadas; organiza las vestiduras con pliegues pequeños y sus relieves son muy finos casi sin resalte. Su hermano Martín se expresa más cerca de Juan de Juni y más cerca del romanismo, estilo del que llega a ser un buen seguidor. Sus figuras tienen unos escorzos atrevidos y se inspiran en Miguel Ángel y prefiere ejecutar los relieves con mucho más resalte en los primeros planos.[2]
Gracias a las investigaciones realizadas por Martínez Sanz, archivero de la catedral en el año 1866, se sabe el salario de Rodrigo de la Haya en 1562 y en 1566: 12.000 y 18.560 maravedíes respectivamente; también se ha podido saber que tuvo como colaborador para la construcción del tabernáculo a Domingo de Bérriz. En 1577 falleció Rodrigo, siguiendo la dirección de las obras su hermano Martín. En 1580 el retablo estaba ya terminado pero sin policromar. La policromía se hizo unos años después, en 1593.
Descripción
Se encuentra instalado en el ábside central de la capilla mayor de la Catedral de Burgos y consta de banco o predela, tres cuerpos y ático y siete calles verticales, —tres más anchas y cuatro más estrechas o entrecalles—.
La predela, colocada sobre un basamento, está ornamentada con relieves como la Santa Cena y en las entrecalles del cuerpo central se guardan las reliquias de las santas en ambos lados del tabernáculo del sagrario.
Las columnas de separación de las calles en el primer y segundo cuerpo están ornamentadas en los fustes con «follamen».[3] Las del tercer cuerpo están menos adornadas. En el ático las separaciones están formadas por estípites con ristras de frutos talladas en sus frentes.[4]
En la calle central, se encuentra el tabernáculo del sagrario que ocupa banco y primer piso, y sobre él, preside el centro del retablo la imagen en plata de Santa María la Mayor, realizada en 1465 por el orfebre Cristóbal de Valladolid. En los siguientes cuerpos centrales están colocadas las esculturas de la Asunción y la Coronación de María, realizadas entre 1576 y 1578 por Juan de Ancheta.
El apostolado, de bulto redondo, se encuentra colocado en las cuatro entrecalles —tres en cada una— y en las dos calles de los laterales, hay ocho altorrelieves con escenas de la vida de la Virgen María.
Sobre la cornisa del ático en su parte central se eleva un Calvario exento y sobre los cuerpos laterales hay figuras también exentas de santos.
El trabajo de policromía que se inició en 1593 y que tuvo una duración de tres años, fue realizado por Diego de Urbina de Madrid y Gregorio Martínez de Valladolid; recibieron como pago 110 ducados.[
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