ALTARES - RETABLOS
| Altar Orsini: Virgen | ||
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| Año | 1333 | |
| Autor | Simone Martini | |
| Técnica | Temple sobre madera | |
| Estilo | Gótico | |
| Tamaño | 23,5 cm × 14,5 cm | |
| Localización | Real Museo de Bellas Artes de Amberes, Amberes,  Bélgica | |
La Anunciación o Altar Orsini es un díptico obra del pintor italiano Simone Martini. Está realizado en temple sobre madera, y fue pintado en 1333. Cada una de sus dos tablas mide 23,5 cm de alto y 14,5 cm de ancho. Se exhibe actualmente en el Real Museo de Bellas Artes de Amberes.
Historia
Esta obra llegó al Real Museo de Bellas Artes de Amberes por el burgomaestre Florent van Ertborn, junto a otras dos pinturas de Simone Martini.
Análisis del cuadro
Este Díptico está formado por dos tablas. En la de la izquierda está representado el Ángel y en la derecha, la Virgen.
Están realizados con la misma técnica, temple sobre madera, y las dos tablas miden lo mismo: 23,5 × 14,5 cm.
El ángel está arrodillado, anunciando a María que será madre. En este punto utiliza la técnica del esgrafiado sobre el fondo de oro, para que las alas parezcan realmente de pluma.
La Virgen María recibe la noticia con recogimiento. Esta obra de pequeño tamaño permite, sin embargo, apreciar el dibujo de Simone Martini y su destacado colorido, típico del autor: la Virgen, sentada sobre un trono dorado, lleva un vestido rojo y un manto de intenso azul con los bordes de oro.
Las carnaciones se modelan a partir del "verdaccio", preparación de tonalidad verdosa sobre la que se pinta a pequeñas pinceladas de tonos oscuros y luminosos. Los mantos se dibujan con pliegues, en oro, según la tradición de la "maniera grieca".
Tanto la figura de la Virgen como la del ángel se recortan sobre un fondo típicamente dorado. Los bordes laterales y superior se adornaron a punzón con una cenefa de rosetas y motivos ojivales, creando así una arquitectura gótica que enmarca la escena.
Otras Anunciaciones
El tema de la Anunciación fue muy trabajado por Simone Martini. Representa a las Vírgenes con un gesto muy característico, de sorpresa, temor y recato. Así puede verse en la Anunciación de los Uffizi.
| Retablo de Fiesole | ||
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| Autor | Fra Angelico y Lorenzo di Credi | |
| Creación | 1422, años 1500juliano, años 1420juliano y años 1420juliano | |
| Ubicación | Convento de Santo Domingo (Italia) | |
| Material | Témpera, Tabla y Gilt paint | |
| Dimensiones | 212 centímetros × 237 centímetros | |
El Retablo de Fiesole (Virgen en el trono con el Niño, ángeles y santos) es una obra de Fra Angélico y Lorenzo di Credi. Conservada en la iglesia original para la que fue pintada, Santo Domingo en Fiesole, es una pintura al temple sobre tabla datable alrededor de 1424-1425, con el fondo repintado en 1501.
Historia
El retablo es una de las obras más antiguas de Fra Angélico que se conservan. Destinada originariamente al altar mayor de la iglesia del convento, posteriormente fue colocada sobre un altar lateral donde se encuentra a día de hoy. En el 1501 Lorenzo di Credi repintó el fondo, que probablemente era dorado, creando una vista más moderna, con un trono decorado de dosel y falsos relieves de inspiración clásica y dos mínimos paisajes colocados entre pilares. Lorenzo di Credi aprovechó también para eliminar todo rastro de las cúpulas de inspiración gótica, que sí se encontraban en boga cuando la pintura fue creada.
Descripción
Se trata de una Maestà, es decir una Virgen sentada en trono, tema muy popular en ese momento en el arte florentino. En torno al grupo sagrado central se encuentran ocho ángeles adoradores, de dimensiones jerárquicamente más pequeñas, dispuestos en dos hemiciclos. A los lados se encuentran los santos Tomás de Aquino, Bernabé, Domingo y Pedro de Verona. Se trata de tres santos de la Orden de los Dominicos y del santo patrón de Bernabé degli Agli, el generoso donante que entregó seis mil florines a los Domincos para reconstruir y ampliar el convento de Santo Domingo de Fiesole. Los dos santos centrales están girados ligeramente hacia la Virgen.
El Niño desnudo es representado en el acto de dirigir la mano hacia dos flores que la madre sostiene en la suya: una rosa blanca, símbolo de pureza, y una rosa roja, prefiguración de la Pasión ligada a la eucaristía (el cuadro estaba destinado, al fin y al cabo, al altar mayor de la iglesia, donde se celebra tal sacramento).
Estilo
El esquema de la pintura recuerda al Tríptico de San Juvenal de Masaccio (1422), con el trono puesto sobre un escalón ante el cual están dos ángeles arrodillados, representados casi a profil perdu. El esquema de los ángeles también recuerda considerablamente al cartón para la vidriera de la Asunción de la Virgen de Lorenzo Ghiberti en la fachada de la Catedral de Santa María del Fiore de Florencia (1404-1405).
Se trata, además, de uno de los ejemplos más antiguos conocido de políptico en el que las figuras están dispuestas en un único espacio, en lugar de usar varias tablas.
Generalmente se considera que este retablo es anterior al Tríptico de San Pedro Mártir (documentado en 1428), al menos por dos tres años, atendiendo a la representación menos evolucionada del espacio: el pavimento de azulejos se encuentra en otras pinturas florentinas contemporáneas, como el tríptico de anónimo fiorentino de 1419 (cuyo panel central se encuentra en Cleveland) y un retablo de altar del mismo artista con San Gimignano en el trono (San Gimignano). Además, la disposición de los santos es más sencilla, con una alineamiento en fila, en lugar de formar un hemiciclo.
La cabeza de la Virgen es más estilizada y elegante, con un movimiento de las líneas del manto más enérgico, ligado por lo tanto a la tradición del gótico internacional, como la Virgen con el Niño de Masolino en el Tríptico Carnesecchi (1423-1425). La obra de Fra Angélico está sin embargo mucho mejor compuesta y conformada que la de Masolino.
La impostación del niño revela una inspiración en el políptico Quaratesi de Gentile da Fabriano.
Los santos en cambio, con su vista frontal y la búsqueda de una dignidad moral individual, muestran la influencia de Masaccio.
Predela y otros paneles
La predela del retablo se encuentra hoy en la National Gallery de Londres, con el Cristo resucitado adorado por santos, profetas y miembros de la Orden dominica (cinco paneles). Allí se conserva también un tondo, que debía encontrarse en el cimacio, con San Rómulo.
Asimismo, las pequeñas pilastras laterales estaban decorados por diez pequeños paneles con figuras de santos y beatos, de las cuales se conocen solo cuatro: dos están en el Museo Condé de Chantilly y dos en una colección privada.
| La comunión de los Apóstoles | ||
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| Año | Hacia 1603-1608 | |
| Autor | Federico Barocci | |
| Técnica | Pintura al óleo sobre lienzo | |
| Estilo | Manierismo | |
| Tamaño | 290 cm × 177 cm | |
| Localización | Iglesia de Santa Maria sopra Minerva, Roma, Italia | |
La comunión de los Apóstoles, o Institución de la Eucaristía, es un cuadro de Federico Barocci sobre la Última Cena, ubicado en la iglesia de Santa Maria sopra Minerva en Roma. Fue encargado para la capilla familiar del papa Clemente VIII Aldobrandini y pintado entre 1603 y 1608.[1]
Lo más probable es que la vista de La Presentación de la Virgen de Barocci en su inauguración en 1603 en la Chiesa Nuova (Santa Maria in Vallicella) condujera a la comisión de La Comunión cuatro meses después. El 13 de agosto de 1603 el papa se comunicó con Giacomo Sorbolongo, ministro del duque de Urbino (el artista residía en Urbino y trabajaba bajo el patrocinio de su duque, Francesco Maria II della Rovere) sobre la adquisición de una obra de Barocci.[nota 1] En este momento el Cavaliere d'Arpino era el artista más importante del papa; la carta continúa pidiendo que no se informe a d'Arpino sobre la comisión.[2][nota 2]
El encargo se completó íntegramente en Urbino y se hicieron esfuerzos para proporcionar a Barocci información extensa sobre la capilla a la que se destinaba la obra, que había sido pintada al fresco por Cherubino Alberti con un Triunfo de la Santa Cruz.[3] Según el historiador Gian Pietro Bellori el papa recibió bocetos preparatorios.[4] Clemente VIII pidió la eliminación de la representación de Satanás del diseño original,[1] y luego pidió que se tratara de una escena nocturna.[5]
Barocci introduce en su cuadro una cita de la Escuela de Atenas de Rafael al insertar un personaje muy similar al Heráclito que aparece en el fresco y que se cree que es un retrato de Miguel Ángel. Significativamente, Barocci utiliza esta cita para representar a Judas Iscariote en su obra, quien de esta manera adopta la apariencia de Miguel Ángel.[1] Esto era un comentario particularmente fuerte sobre el estatus de Miguel Ángel para una audiencia familiarizada con esta asociación.[6] Además, citando directamente a Rafael, cuyo ideas artísticas eran la antítesis de las de Miguel Ángel y estaban siendo favorecidas por la iglesia clementina, Barocci (y por implicación el papa Clemente VIII) insertó un comentario sobre el estatus relativo de los dos artistas dentro de la iglesia de la época.
Barocci pidió 1.500 escudos por la obra. Sin duda, la tarifa estuvo influenciada por el número de figuras. En el mismo punto de su carrera (1604), había aceptado 300 escudos por un Cristo en la Cruz [7] mucho más sencillo (hoy conservado en el Museo del Prado, Madrid).[
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